Im vergangenen Jahr habe ich einige meiner Fashion-Illustrationen im Rahmen der Ausstellung „The Power of Fashion Strokes“ gezeigt. Die Berliner HAZEGALLERY präsentierte die Arbeiten von mir und sieben anderen Modeillustratoren vom 5. bis zum 27. Februar in einer virtuellen Ausstellung.

Zusätzlich zum schönen Ausstellungskatalog, entstand ein ausführliches Interview, in dem ich viele Einblicke zu meinem Hintergrund sowie meiner Herangehensweise geben durfte.
Das gesamte Interview, welches bei der HAZEGALLERY in englischer Sprache erschienen ist, habe ich hier übersetzt. Viel Spaß beim Lesen!

Hallo Anja! Danke, dass du dir Zeit für dieses Interview genommen hast. Wie ich in deiner Biografie gelesen habe, hast du dich zunächst für Mode interessiert und dann begonnen, am Fashion Institute of Technology in New York Modeillustration zu lernen. Ist das richtig? Kannst du uns bitte erzählen, wie du deine Karriere im Kunstbereich begonnen hast?

Zeichnen und Malen war schon während meines Modedesignstudiums in Deutschland ein wichtiger Bestandteil. Aber als ich ans FIT in New York kam, sah ich ein ganz anderes Niveau der Illustration in Bezug auf Qualität, Technik und Ansatz. Trotzdem dauerte es ein paar Jahre, bis ich mich entschloss, von der Modeillustration zu leben. Durch meinen Job als Modedesignerin hatte ich im Laufe der Zeit eine Reihe von Kontakten gesammelt und begann, sie mit meinem Portfolio anzusprechen. Die ersten zwei Jahre habe ich abends oder am Wochenende an Aufträgen gearbeitet. Für mich war das eine gute Möglichkeit, den Übergang von einer sicheren Festanstellung zu einer freiberuflichen Tätigkeit zu schaffen.

Erzähl uns bitte von deinem Leben in New York? Warum hast du dich entschieden, zurück nach Deutschland zu ziehen?

Ich konnte als Fulbright-Stipendiatin nach New York gehen, was eine unglaubliche Chance für Studenten aller Fachrichtungen ist, da man sich voll und ganz auf sein Studium konzentrieren kann, während Fulbright die meisten Kosten übernimmt und bei der Organisation des Auslandsaufenthalts behilflich ist. Vor allem für mich war es eine sehr prägende Zeit, da ich von einer Fülle neuer Eindrücke umgeben war. Ich denke, dass NY ziemlich überwältigend sein kann, wenn man zum ersten Mal in die Stadt kommt, aber es erlaubt einem, eine Nische für fast jede Obsession und jedes Interesse zu finden, und das hat mich von Anfang an fasziniert. Während meiner Zeit in NY hatte ich die Freiheit, viel auszuprobieren – verschiedene Praktika bei Modelabels, Illustrationskurse bei tollen Lehrern, Partys und Ausstellungen und viele neue Leute. Nach eineinhalb Jahren erhielt ich ein Jobangebot von einem deutschen Modelabel, das mich sehr interessierte, und hielt dies für einen guten Zeitpunkt, ein neues Kapitel aufzuschlagen.

Erinnerst du dich an deine erste Zusammenarbeit mit einer großen bekannten Modemarke? Wie war sie? Wie hat man dich gefunden oder umgekehrt?

Die erste große Modemarke, die sich an mich wandte, war Hugo Boss. Sie sind bei ihren Recherchen auf meine Website gestoßen und haben mich gefragt, ob ich für ein Live-Sketching zur Verfügung stehe. Diese Anfrage war ein echter Wendepunkt für mich, da sie mir das Feld der Live-Illustration eröffnete. Es war wie ein Sprung ins kalte Wasser, innerhalb eines begrenzten Zeitrahmens vor so vielen Augen live zeichnen zu müssen. Aber die Tatsache, dass ich mich selbst unter Druck setzen musste und gutes Feedback erhielt, gab mir viel Selbstvertrauen.

Erzähl uns bitte von deiner Arbeit mit globalen Unternehmen wie Hugo Boss, Louis Vuitton, Olympus oder H&M.

Meine bisherigen Erfahrungen bei der Arbeit mit globalen Unternehmen waren durchweg gut. In der Regel schicken sie sehr detaillierte Briefings, die alle notwendigen Informationen enthalten, von Beschreibungen, Farben und Materialien bis hin zu Beispielbildern. Auf diese Weise ist es einfacher, ein neues Projekt anzugehen. Besonders bei der Zusammenarbeit mit diesen Marken bei Live-Events überlassen sie mir viele Details und wir besprechen, was das beste Ergebnis bringt.

Ist deiner Meinung nach die Ausbildung für einen Künstler wichtig? Wie ich sehe, hast du viel studiert, richtig? Manche Leute sagen, dass die Ausbildung strenge Grenzen setzt, aber der Prozess des Schaffens kennt keine Regeln. Ist Talent also eine angeborene Gabe oder kann man es lernen?

Ich glaube, dass Talent und Bildung die beiden wichtigsten Zutaten sind, um eine kreative Karriere zu machen. Eine gute Portion Talent ist wohl eine wichtige Voraussetzung, die aber ohne Ausbildung nutzlos bleibt.

Natürlich ist eine akademische Ausbildung keine Voraussetzung, aber sie ist eine gute Möglichkeit, verschiedene Techniken zu erlernen und die eigene Kreativität in einen kulturellen Kontext zu stellen. Einen Bildungshintergrund zu haben, bedeutet nicht, dass man auf bestimmte Verfahren beschränkt ist. Es geht nur um das Grundwissen, das hilft, die eigene Stimme als Künstler zu entwickeln.

Wir leben im Zeitalter der sozialen Medien, in dem Selbstvermarktung und PR sehr wichtig sind. Kannst du jungen Künstlern ein paar Tipps geben, wie sie sich präsentieren und die richtigen Kontakte in diesem Bereich finden können?

Die sozialen Medien sind wie ein zweischneidiges Schwert. Einerseits bieten sie uns Künstlern wunderbare Möglichkeiten, uns zu promoten und der Welt unsere Arbeit zu zeigen, andererseits war die Konkurrenz noch nie so groß und die Künstler sind auf globaler Ebene sehr vergleichbar geworden. Ich glaube, dass Kontinuität und Beständigkeit ein sehr wichtiger Faktor sind. Sie helfen dabei, eine künstlerische Stimme und einen Stil zu entwickeln.

Ich würde jedem jungen Künstler empfehlen, ein Online-Portfolio mit seinen besten Arbeiten zusammenzustellen. Wenn man das hat, kann man anfangen, sich an potenzielle Kunden wie Art Directors oder Marken zu wenden. Ich weiß, dass das nicht immer einfach ist, denn nicht jeder ist ein Naturtalent, wenn es um Selbstdarstellung geht. Aber es lohnt sich, über den eigenen Schatten zu springen und seine Arbeit bekannt zu machen, und selbst wenn man dadurch nicht sofort ein Jobangebot erhält, kann jedes Feedback eine gute Lehre sein.

Am Anfang kann im Grunde jeder kleine Auftrag helfen, die eigenen Fähigkeiten zu entwickeln und zu trainieren. Zu wissen, wie lange man für eine Zeichnung braucht und welche Informationen man aus einem Briefing benötigt, ist mehr als hilfreich, wenn es um einen größeren Auftrag geht.

In Berlin herrscht derzeit eine strenge Abriegelung. Hat sich die Pandemie-Situation auf deine Arbeit ausgewirkt und wie gehst du damit um?

Mein Arbeitsleben ist der Teil, der am wenigsten von dieser Pandemie betroffen ist. Ich bin es gewohnt, allein in meinem Home-Office-Studio zu sitzen. Natürlich gibt es im Moment weniger Input aus dem wirklichen Leben, weshalb sich meine Aufmerksamkeit im letzten Jahr sehr stark auf die sozialen Medien verlagert hat. Ich bin nicht immer glücklich über diese Tatsache, aber dennoch sehe ich die Chance, mich gerade in dieser Zeit über die sozialen Medien mit anderen Künstlern zu vernetzen, als ein großes Geschenk.

Erzähl uns bitte etwas über deine künstlerische Sprache. Warum hast du dich für die Modeillustration entschieden? In welcher Technik arbeitest du am liebsten?

Vielleicht ist es umgekehrt und die Modeillustration hat mich gefunden. Es ist das, was von Natur aus aus mir herauskommt. Ich habe schon als Kind angefangen, die Models aus den Zeitschriften meiner Mutter zu skizzieren. Als ich Modedesign studierte, war das Zeichnen von Lookbooks immer der Teil, der mich am meisten interessierte, und bis heute fasziniert mich die Art und Weise, wie Menschen sich durch Mode ausdrücken.

Ich liebe es, mit Tusche und Finelinern zu skizzieren. Aber als ich vor ein paar Jahren anfing, an größeren Aufträgen zu arbeiten, bin ich schnell zur digitalen Illustration übergegangen, da es viel einfacher ist, Skizzen und Farbschemata anzupassen und dem Kunden Vorschläge zu machen.

Inzwischen genieße ich das digitale Skizzieren sehr und versuche, mehr mit verschiedenen Pinseln und Texturen zu experimentieren. Meine jüngsten Arbeiten spiegeln dies wider. Aber ich werde mich immer zu traditionellen Medien wie Aquarell, Bleistift und Tusche hingezogen fühlen. Erstens, weil sie für Live-Sketch-Events immanent sind, und zweitens, weil sie ihren eigenen Zauber und ihre eigenen Herausforderungen haben. Ein Tuschestrich kann nicht entfernt werden.

Hast du bestimmte Routinen oder Rituale, wenn du arbeitest? Welche Rolle spielt die Atmosphäre am Arbeitsplatz?

Normalerweise versuche ich, zuerst die administrativen Dinge wie das Schreiben von Angeboten, das Beantworten von E-Mails oder das Bezahlen von Rechnungen zu erledigen, bevor ich kreativ werde. Seit kurzem mache ich jeden Tag eine kurze Skizze, bevor ich an einem Projekt arbeite.

Ich beneide oft Freunde, die in einem großen Büro sitzen und Kollegen haben, aber ich habe gemerkt, dass ich effizienter arbeiten kann, wenn ich ganz allein in meinem Studio bin. Ich höre gerne Musik oder Podcasts, während ich zeichne. Das ist die perfekte Symbiose.

Erzähl uns etwas über deine Zukunftspläne und deine aktuellen Projekte. Auf welches Projekt oder welche Ausstellung bist du besonders stolz und warum?

Fast alle Projekte machen mir auf die eine oder andere Weise Spaß, und auf die meisten bin ich stolz. Während der Pandemie erhielt ich tonnenweise Porträtanfragen und ich habe aufgehört zu zählen, wie viele ich gemacht habe. Das Feedback dieser Kunden war oft überwältigend. Aber es fühlt sich wie eine kleine Superkraft an, zu wissen, dass man die Fähigkeit hat, jemanden mit seinen Fähigkeiten wirklich glücklich zu machen.

Für das kommende Jahr habe ich mir vorgenommen, mehr an der Symbiose von digitalem und traditionellem Zeichnen zu arbeiten. Und natürlich wäre ich überglücklich, wenn ich wieder anfangen könnte, Live-Illustrationsveranstaltungen zu machen, denn das ist für mich einer der Teile meines Berufs, die wirklich Spaß machen.

Wie siehst du die Kunstwelt und die Wahrnehmung von Kunst in 5-10 Jahren? Vielleicht neue Bewegungen oder Veränderungen?

Nach dem, was ich im Moment erlebe, ist es unmöglich geworden, vorherzusagen, wie die Welt in naher Zukunft aussehen wird. Es scheint sogar unmöglich zu sein, mit der Gegenwart Schritt zu halten.

Ich bin nur davon überzeugt, dass Kunst, Illustration oder jede andere Form des kreativen Ausdrucks angesichts der Digitalisierung an Bedeutung gewinnen wird. In einer Welt, die zunehmend von Computern und Algorithmen bestimmt wird, haben die Menschen eine Sehnsucht nach „handgemachten“ und wertvollen Inhalten, die eine Seele haben.